LOS CINCO DE NY

Se llama los cinco de Nueva York a un grupo de artistas que pertenecen a la corriente del Pop Art y que destacan en Nueva York a partir de los años 60. Se trata de Andy Warhol, Roy Linchestein, Tom Wesselman, James Rosenquist y Claes Oldemburg.

Cari todos estos artistas son además DISEÑADORES. Les une también el RECHAZO hacia el  EXPRESIONISMO ABSTRACTO y las influencias de artistas pre-pop como JASPER JOHNES o LARRY RIVERS.

ROY LICHESTEIN

Nace en Nueva York el 27 de Octubre de 1923 y muere en Septiembre de 1997. Fue uno de los pintores estadounidenses mas destacado del grupo del POP ART.

En sus obras, copia  las imágenes de las viñetas de comics populares y las reproduce a gran escala. Se apropia de estas imágenes, las hace suyas cambiando el contexto y el formato. Utiliza además la técnica PUBLICITARIA en torno a la que gira su obra.

ANDY WARHOL

Andrew Warhola nace en Pittsburgh en Agosto de 1928 y muere en NY el 22 de febrero de 1987. Se tara de un artista estadounidense que jugó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del POP ART.

Experimentó, como Lichestein pintando en formato “comic”. En su obra juega con el concepto de REPETICIÓN y SATURACIÓN. Considera estas herramientas como necesarias para superar el realismo y quitarle el sentido. Bajo estos principios crea su famosa SOPA CAMPBELL

En el año 1963 publica una serie de obras muy controvertidas: “Desasrtes en una ambulancia” o “desastre en naranja” muestran imágenes que hacen alusión a la pena de muerte y a una serie de accidentes. Las imágenes, sacadas de los periódicos son una dura crítica social. También son conocidas y controvertidas sus “Jackies” de 1964 en donde se retrata a la primera dama Jacky Kennedy antes y después del asesinato de su marido.

A pesar de que estas fueron sus primeras obras, en los años posteriores experimentó con nuevos medios. Comienza entonces a gravar una serie de películas experimentales basadas en sus experiencias. Podemos destacar “el hombre durmiente” o “el beso”. Además durante esta década estuvieron de moda los happenings y los performances en Nueva York y Warhol también experimentó con estas nuevas formas de arte y protesta.

CLAES OLDEMBURG 

Claes Oldenburg nació el 28 de Enero de 1929 en Estocolmo, Suecia. En 1936 se trasladó con su familia a los Estados Unidos, donde se graduó en el instituto de Artes de Chicago. Fue uno de los primero artistas de la época en mantener una actitud POP. Para su obra, escoge temas de la cultura popular y la publicidad comercial. Su obra es escultórica y a gran escala, con una fuerte influencia del Dadaismo y de Duchamp.

Durante los años 60 abrió una tienda en la que vende reproducciones de yeso de otros productos, siguiendo un arte inspirado en los performances y happenings.

TOM WESSELMANN

Tom Wesselmann nació en Ohio el 23 de Febrero de 1931 y muere el Diciembre de 2004 en Nueva York. Fue un pintor y artista estadounidense, uno de los grandes maestros del pop-art americano.

Desarrolló su obra bajo el tema de “grandes desnudos americanos”. Sus obras, de grandes formatos en su mayoría, giran en torno al tema del desnudo femenino. Utiliza diferentes técnicas como el collage, las instalaciones, la pintura, el audio… para experimentar durante los primeros años de los 60, pero a partir de 1965 se dedica únicamente a la pintura: una pintura plana, sin expresión, sin gesto y con los rostros vacíos.

JAMES ROSENQUIST

James Rosenquist nace en Dakota del Norte en EEUU el 29 de noviembre de 1933 y es unos de los artistas pertenecientes a los “cinco de Nueva York”. Su emple era de montador y pintor de vallas publicitarias. Experimentó con el expresionismo abstracto, pero finalmente, en las vayas y en el gran formato de estas encuentra lo que busca y lo que le interesa: la publicidad y los grandes formatos.

F-111 Es una obra en la que se muestra un avión F-111, un modelo que se usó durante la guerra en Vietnam y causó muchas muertes. Esta obra lleva una importante carga de crítica social a través de las imágenes, como en el caso de muchas de las obras de los 5 de nueva York.

BURLESQUE

El término burlesque deriva del término italiano burlesco, que significa burla o broma. En los inicios, el burlesque era un género literario de sátira y burla que ridiculizaba algún tema en concreto.

Durante el siglo XIX el burlesque literario evoluciona en diferentes disciplinas de arte escénico, pero el tema sigue girando en torno a la sátira, la parodia y la exageración. Estará relacionado con los “espectáculos de variedades de la época Victoriana, con el “vaudeville americano o el cabaret francés.

Durante los años 1830 y 1890, se pone de moda un género denominado popularmente como burlesque victoriano. Este nuevo género se caracteriza por los espectáculos que parodian obras artísticas ya existentes. Son pues, comedias y parodias musicales que mediante la imitación crea un nuevo género musical y artístico. Durante la segunda mitad del siglo XIX recibirá además influencias del “music hall” o el cabaret. Gracias a la influencias de estilos, el burlesque adopta una vistosa escenografía que aportaba calidad a los espectáculos.

Los espectáculos incluían actuaciones auxiliares de travestismo, vedette, comedia, piezas de ópera, music hall… combinado varias artes escénicas de entretenimiento.

Esto espectáculos era frecuentados por las case social mas alta.

Durante los últimos años del siglo XIX el burlesque victoriano se extiende y se populariza en Estados Unidos, dando lugar al burlesque americano, que irá evolucionado, tomando características de otros espectáculos como el vodevil (fue un género de teatro de variedades que existió en EEUU principalmente entre los años 1880 y 1930). Fue la influencia del vodevil lo que transformó los espectáculos de burlesque, ya que esta época se incluían entre las actuaciones a mujeres actuando en escenas y contextos eróticos, con este erotismo se aseguraba la afluencia de público. A pesar de conservar la esencia del burlesque, que se mantenía con el ambiente festivo y la sátira, la evolución lleva a la exaltación del erotismo y la fusión entre burlesque, vodevil y cabaret.

Durante los años 20 los espectáculos eróticos entran en crisis debido a la corriente de puritanismo que se extiende por Norteamérica. Además la aprobación de la Ley Seca en varios estados Americanos frenó el desarrollo del burlesque. No obstante estos espectáculos influyeron en los nuevos iconos eróticos de los años 50 y en la moda pin up.

Uno de los rostros mas conocidos del burlesque americano es  Gypsy Rose Lee, también conocida como Rose Louise Hovick y Louise Hovick Nació el 8 de Enero de 1911 en Seattle. Fue una conocida actriz estadounidense, artista del género burlesque y escritora. Sus memorias, escritas en 1957 fueron llevadas a musical e incluso al cine, con el título: Gypsy: A musical Fable

El burlesque influyó también en los iconos pin up eróticos de los años 50, por ejemplo Betty Mae Page, que nació en Tennessee el 22 de abril de 1923. Se hizo famosa como modelo pin up por sus fotos eróticas o fetichistas. Su aspecto, caracterizado por cabello negro y su flequillo, ha influenciado a muchos artistas como por ejemplo

Dita Von Teese  que nació el 28 de septiembre de 1972 en Rochester, Michigan y es una famosa modelo erótica, actriz y verdete estadounidense. Precisamente Dita es una de las actrices del nuevo género de burlesque, el neo-burlesque, que tiene grandes referencias a los números de burlesque americano del siglo XIX.    Este Neo –burlesque surge en los años 90 en EEUU y Candá y pretende recuperar el glamour  del viejo burlesque americano.

Además de nuevos espectáculos traídos desde la tradición, romanticismo que rodea estos espectáculos ha generado una corriente de películas basadas en los “espectáculos de variedades” y en los que se puede vislumbrar la esencia del burlesque y la inspiración musical que ha generado.

De la mano de la famosa Moulin Rouge, nos llega una de las bandas sonoras mas representativas del cabaret con la famosa canción de Lady Mermelade en la que podemos ver a algunas de las artistas mas importantes de los 90 convertidas en autenticas vedettes.

HAYAO MIYAZAKI

Y

ESTUDIO GHIBLI

Hayao Miyazaki es un ilustrador y animador Japonés, Nació el 5 de Enero de 1941 en Tokio, Japón. 

A finales de los años 50 estudia ciencias económicas para poder dedicarse al negocio familiar, pero en los años 60 acepta un trabajo en la productora de animación Toei y cambia el rumbo de su carrera.

En su época en Toei Animation conoce Isao Takahata, con el que posteriormente fundará ESTUDIO GHIBLI.

Durante los años posteriores colaborará en series de animación tan conocidas como Heidi, Marco o Ana de las tejas verdes.

Finalmente en 1985 Takahata y Miyazaki fundan estudio Ghibli. 

Totoro, un oso tierno y regordete, la mascota del estudio Ghibli e imagen estudio Ghibli

Es en esta época cuando Miyazaki explota todo su potencial en una serie de películas que en los últimos años se han vuelto de culto para los aficionados a la animación e ilustración japonesa. A pesar de ser películas de animación, el contenido y la temática es más adulto.

En 1988 se lanza “MI VECINO TOTORO” 1988 

Cuenta la historia de dos niñas que viven la ausencia de su madre por culpa de una enfermedad. Los juegos infantiles de estas comienzan a desbordar la realidad y finalmente se llega a una situación de realismo mágico en la que entran con tres espíritus del bosque, típicos de la cultura japonesa, los “totoro”

“LA PRINCESA MONONOKE” 1997

La princesa Mononoke es una joven humana que ha crecido en el bosque, criada por un clan de “dioses lobo” que están en constante enfrentamiento con los humanos. Esta película nos muestra de nuevo las creencias y la tradición japonesa, que en un punto pierde la distinción entre realidad y fantasía.

“EL VIAJE DE CHIHIRO” 2001

Una niña pequeña ve como sus padres se convierten en cerdos por un hechizo. La pequeña queda atrapada en una “casa de baños” para Dioses, a partir de ese momento deberá trabajar muy duro para recuperar a su familia y su antigua vida.

“EL CASTILLO AMBULANTE” 2004

Nuevamente traspasamos la frontera entre la realidad y la ficción con esta película de Miyazaki. Esta vez el hechizo afecta a una joven sombrerera que de pronto se ve convertida en anciana por el hechizo de una bruja. En esta película la temática de la guerra será el telón de fondo para una bonita historia de amor.

“PONYO EN EL ACANTILADO” 2008

Se trata de una versión “a la japonesa” del clásico “La sirenita”. Una joven sirena se escapa de casa por que se enamora de un niño. El padre de esta se enfurece e inunda el mundo de los humanos para encontrar a la pequeña.

Para la distribución en España y Europa de las primeras películas, Estudio Ghibli hizo un pacto con Disney, para entrar en el mercado, pero a finales de los años 90 comenzó a trabajar de manera independiente tras haber ganado fama con películas como “Mi vecino Totoro” o “La Princesa Monoke”

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Lo interesante de estas películas es su temática fantástica y su animación tradicional, se ha convertido en sello y firma inconfundibles para estudio Ghibli.

El 1 de Septiembre de 2013, Miyazaki presentó su retirada del mundo de la animación mediante un comunicado de prensa. Esta noticia ha supuesto un duro mazazo para los estudios japoneses, que aun no se han terminado de recomponer tras la marcha del co-fundador de la compañía, al que se ha definido como genio de la animación en diferentes medios de comunicación.

 ROBERT FRANK 

 "THE AMERICANS"

Robert Frank Nace el 9 de Noviembre de 1924 en Zurich, Suiza. 

Comienza a interesarse por la fotografía desde muy joven y ya en 1946 se establece en París como fotógrafo profesional.

Durante los años 40 viajó por Perú, Bolivia, Reino Unido, Italia, Francia y España realizando diferentes reportajes fotográficos.

  “Blanco y negro son los colores de la fotografía. Para mí, simbolizan las alternativas de esperanza y desesperación a la que la humanidad está siempre sometida. La mayoría de mis fotografías son de personas; son vistas simplemente, a través de los ojos de un hombre en la calle. Hay una cosa que la fotografía debe contener, la humanidad del momento. Este tipo de fotografía es el realismo. Pero el realismo no es suficiente - tiene que haber una visión, y ambas cosas pueden producir una buena fotografía. Es difícil describir esa delgada línea entre donde termina la materia y comienza la mente.”

 Robert Frank

En el año 1955 La fundación del museo Guggenheim le concede una beca de trabajo. Esto  le permite iniciar un viaje de dos años por los Estado Unidos. Visita y retrata 48 estados retratando la cara más cruda de Estados Unidos en el proyecto mas ambicioso de su carrera.

Su obra se define como Dura, áspera, cruda, triste o desolada y todo eso se trasmite a través del pueblo americano, que es retratado con toda la crudeza del realismo fotográfico. “Los Americanos” llega en la época de madurez expresiva de la fotografía. Las instantáneas están en auge y se convierten en un medio de expresión artístico y vehículo para reflejar la realidad.

Las imágenes son cotidianas a simple vista, pero Frank juega con el encuadre de la fotografía para transigir una sensación de extrañamiento o inquietante extrañeza para desestabilizar al espectador y provocar una sensación de angustia o premonición.

Retrata así la otra cara de América, la cara deplorable o miserable, no como una crítica hacia el país, si no como un reflejo real.

El resultado fue la publicación de “The Americans” (Los Americanos), una de las publicaciones más influyentes en la historia de la fotografía.

Como anécdota, gastó 800 rollos de película para realizar 28.000 fotografías de las que finalmente selecciona 83 instantáneas.

 CINDY SHERMAN 

 EL ARTE FEMINISTA

Durante los años 70 comienzan a surgir en algunas partes de Europa y sobre todo en EEUU una serie de movimientos reivindicativos que luchan por los derechos de la mujer y de las minorías.

Estos años son realmente importantes para el movimiento artístico feminista que se pregunta por qué no ha habido mujeres en la historia del arte.

Algunas artistas y críticas de arte como Luccy Lippard o Judi Chicago comienzan en estos años, una revolución para la igualdad de la mujer en el arte, y en este contexto comienzan a explorarse nuevos medios, nuevas temáticas y un nuevo concepto artístico.

Estas influencias y el auge que el performance y la fotografía logran en los años 70, es el perfecto caldo de cultivo para que nuevas artistas se lancen a la búsqueda de nuevos conceptos.

 Es el caso de Cindy Sherman, una de las artistas feministas con más éxito de los años 80. Cindy nace en 1954 en Nueva jersey, y comienza su formación artística en la Universidad de Buffalo. Al principio comenzó a trabajar con la pintura, pero tras un año de frustración por las limitaciones de este medio, decide comenzar a trabajar de otra manera.

"... no había nada más que decir a través de la pintura. Estaba copiando meticulosamente  otro arte y entonces, me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella" 

Cindy Sherman

Y así lo hizo, llegando a convertirse en una de las artistas mas importantes de la fotografía de postguerra en Nueva York, llegando incluso a exponer sus obras durante mas de 30 años en el MOMA.

En su obra, Cindy se “auto-objetualiza a través de la fotografía. Se retrata en diferentes situaciones siendo ella misma sujeto y objeto. Se trata de un tipo de performance de contenido conceptual, donde lo importante no es hacer la foto, sino la intención que queda plasmada al fotografiarse.

Mediante sus instantáneas, inspiradas en la estética y los planos propios del cine negro, Sherman aborda uno de los temas mas controvertidos de la década de los 70 en adelante. Se pregunta e ironiza en cierta manera sobre el papel de la mujer y sus representaciones en la sociedad. Se retrata como mujer objeto, como ama de casa o como simple paseante.

Su obra tiene cierta provocación que aun hoy en día influye en algunas artistas, que como ella, aun ironizan sobre el papel de la mujer en una sociedad de hombres.

Marina Lambrini Diamandismas, mas conocida como Marina and The Diamonds, es una cantautora de Gales que compone música Indie-pop y electo pop.

En 2011 sacó su segundo álbum titulado Electra Heart que aborda los temas del amo y la identidad. Para su creación, Marina crea un alter ego, Electra Heart mediante la que representa los arquetipos femeninos de la cultura estadounidense.

A través de Electra Heart, Marina pasa por los arquetipos de la mujer, desde la joven y rebelde adolescente, la ama de casa entregada o la femme fatale que ambiciona el éxito.

Todo ellos a través de once videoclips con la temática de la mujer como protagonista.

Tanto la estética de la imagen como la temática de este álbum guardan relación con la obra de Cindy Sherman, ya que ambas se preguntan e ironizan sobre el papel de la mujer en la sociedad.

CULTURA DEL DISEÑO

"UN CHEIN ANDALOU"

"UN PERRO ANDALUZ"

En 1929 se estrena en París “Un perro andaluz”,  un cortometraje mudo de diecisiete minutos dirigido, producido e interpretado por Luis Buñuel en  colaboración con Salvador Dalí.

Se grabó con un presupuesto de 25.000 pesetas proporcionado por la madre de Buñuel.

Se trata de uno de los cortometrajes más significativos del cine surrealista. El movimiento surrealista en Francia logró reunir a un grupo de jóvenes talentos en la Residencia de Estudiantes, en la llamada “Colina de los Chopos”. De entre los nombres mas destacados podemos hablar de Dalí, de Buñuel y de Lorca, que forman parte del pilar de la cultura española del siglo XX y que además, son protagonistas de la historia que gira alrededor de “Un chein andalou”.

El rodaje del corto duró 15 días y se inspira en la unión de dos sueños. Dalí, soñó con hormigas que andaban por sus manos, y este simbolismo, fue transmitido posteriormente a su obra pictórica. Por su parte, Buñuel soñó con una navaja cortando un ojo, convirtiendo esta imagen en un icono surrealista.

En interpretaciones posteriores, estos simbolismos y otros muchos que aparecen en este vídeo delirante y sin sentido, que no representa mas que un sueño surrealista, se sobreentiende una crítica a la iglesia y  la represión sexual que marcaron a esta generación.

Se trata de un video de imágenes agresivas e impactantes que no dejan indiferente al espectador, y muestran la rebeldía de ante la autoridad de los hermanos maristas en la residencia de estudiantes.

El título de la obra, “Un perro andaluz” fue tema de discusión entre Lorca y Buñuel ya que el primero se sintió aludido por el título, mientras que el director negó toda relación entre Lorca y el perro andaluz.

De las influencias posteriores en el arte, cabe destacar que en la famosa película “el silencio de los corderos” se utiliza la imagen de la mariposa “Acherontia atropos” en el cartel de la película . Además David Bowie, en su gira de 1976 proyectaba la imagen de la navaja seccionando el ojo al inicio de sus conciertos.