HAYAO MIYAZAKI

Y

ESTUDIO GHIBLI

Hayao Miyazaki es un ilustrador y animador Japonés, Nació el 5 de Enero de 1941 en Tokio, Japón. 

A finales de los años 50 estudia ciencias económicas para poder dedicarse al negocio familiar, pero en los años 60 acepta un trabajo en la productora de animación Toei y cambia el rumbo de su carrera.

En su época en Toei Animation conoce Isao Takahata, con el que posteriormente fundará ESTUDIO GHIBLI.

Durante los años posteriores colaborará en series de animación tan conocidas como Heidi, Marco o Ana de las tejas verdes.

Finalmente en 1985 Takahata y Miyazaki fundan estudio Ghibli. 

Totoro, un oso tierno y regordete, la mascota del estudio Ghibli e imagen estudio Ghibli

Es en esta época cuando Miyazaki explota todo su potencial en una serie de películas que en los últimos años se han vuelto de culto para los aficionados a la animación e ilustración japonesa. A pesar de ser películas de animación, el contenido y la temática es más adulto.

En 1988 se lanza “MI VECINO TOTORO” 1988 

Cuenta la historia de dos niñas que viven la ausencia de su madre por culpa de una enfermedad. Los juegos infantiles de estas comienzan a desbordar la realidad y finalmente se llega a una situación de realismo mágico en la que entran con tres espíritus del bosque, típicos de la cultura japonesa, los “totoro”

“LA PRINCESA MONONOKE” 1997

La princesa Mononoke es una joven humana que ha crecido en el bosque, criada por un clan de “dioses lobo” que están en constante enfrentamiento con los humanos. Esta película nos muestra de nuevo las creencias y la tradición japonesa, que en un punto pierde la distinción entre realidad y fantasía.

“EL VIAJE DE CHIHIRO” 2001

Una niña pequeña ve como sus padres se convierten en cerdos por un hechizo. La pequeña queda atrapada en una “casa de baños” para Dioses, a partir de ese momento deberá trabajar muy duro para recuperar a su familia y su antigua vida.

“EL CASTILLO AMBULANTE” 2004

Nuevamente traspasamos la frontera entre la realidad y la ficción con esta película de Miyazaki. Esta vez el hechizo afecta a una joven sombrerera que de pronto se ve convertida en anciana por el hechizo de una bruja. En esta película la temática de la guerra será el telón de fondo para una bonita historia de amor.

“PONYO EN EL ACANTILADO” 2008

Se trata de una versión “a la japonesa” del clásico “La sirenita”. Una joven sirena se escapa de casa por que se enamora de un niño. El padre de esta se enfurece e inunda el mundo de los humanos para encontrar a la pequeña.

Para la distribución en España y Europa de las primeras películas, Estudio Ghibli hizo un pacto con Disney, para entrar en el mercado, pero a finales de los años 90 comenzó a trabajar de manera independiente tras haber ganado fama con películas como “Mi vecino Totoro” o “La Princesa Monoke”

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Lo interesante de estas películas es su temática fantástica y su animación tradicional, se ha convertido en sello y firma inconfundibles para estudio Ghibli.

El 1 de Septiembre de 2013, Miyazaki presentó su retirada del mundo de la animación mediante un comunicado de prensa. Esta noticia ha supuesto un duro mazazo para los estudios japoneses, que aun no se han terminado de recomponer tras la marcha del co-fundador de la compañía, al que se ha definido como genio de la animación en diferentes medios de comunicación.

 ROBERT FRANK 

 "THE AMERICANS"

Robert Frank Nace el 9 de Noviembre de 1924 en Zurich, Suiza. 

Comienza a interesarse por la fotografía desde muy joven y ya en 1946 se establece en París como fotógrafo profesional.

Durante los años 40 viajó por Perú, Bolivia, Reino Unido, Italia, Francia y España realizando diferentes reportajes fotográficos.

  “Blanco y negro son los colores de la fotografía. Para mí, simbolizan las alternativas de esperanza y desesperación a la que la humanidad está siempre sometida. La mayoría de mis fotografías son de personas; son vistas simplemente, a través de los ojos de un hombre en la calle. Hay una cosa que la fotografía debe contener, la humanidad del momento. Este tipo de fotografía es el realismo. Pero el realismo no es suficiente - tiene que haber una visión, y ambas cosas pueden producir una buena fotografía. Es difícil describir esa delgada línea entre donde termina la materia y comienza la mente.”

 Robert Frank

En el año 1955 La fundación del museo Guggenheim le concede una beca de trabajo. Esto  le permite iniciar un viaje de dos años por los Estado Unidos. Visita y retrata 48 estados retratando la cara más cruda de Estados Unidos en el proyecto mas ambicioso de su carrera.

Su obra se define como Dura, áspera, cruda, triste o desolada y todo eso se trasmite a través del pueblo americano, que es retratado con toda la crudeza del realismo fotográfico. “Los Americanos” llega en la época de madurez expresiva de la fotografía. Las instantáneas están en auge y se convierten en un medio de expresión artístico y vehículo para reflejar la realidad.

Las imágenes son cotidianas a simple vista, pero Frank juega con el encuadre de la fotografía para transigir una sensación de extrañamiento o inquietante extrañeza para desestabilizar al espectador y provocar una sensación de angustia o premonición.

Retrata así la otra cara de América, la cara deplorable o miserable, no como una crítica hacia el país, si no como un reflejo real.

El resultado fue la publicación de “The Americans” (Los Americanos), una de las publicaciones más influyentes en la historia de la fotografía.

Como anécdota, gastó 800 rollos de película para realizar 28.000 fotografías de las que finalmente selecciona 83 instantáneas.

 CINDY SHERMAN 

 EL ARTE FEMINISTA

Durante los años 70 comienzan a surgir en algunas partes de Europa y sobre todo en EEUU una serie de movimientos reivindicativos que luchan por los derechos de la mujer y de las minorías.

Estos años son realmente importantes para el movimiento artístico feminista que se pregunta por qué no ha habido mujeres en la historia del arte.

Algunas artistas y críticas de arte como Luccy Lippard o Judi Chicago comienzan en estos años, una revolución para la igualdad de la mujer en el arte, y en este contexto comienzan a explorarse nuevos medios, nuevas temáticas y un nuevo concepto artístico.

Estas influencias y el auge que el performance y la fotografía logran en los años 70, es el perfecto caldo de cultivo para que nuevas artistas se lancen a la búsqueda de nuevos conceptos.

 Es el caso de Cindy Sherman, una de las artistas feministas con más éxito de los años 80. Cindy nace en 1954 en Nueva jersey, y comienza su formación artística en la Universidad de Buffalo. Al principio comenzó a trabajar con la pintura, pero tras un año de frustración por las limitaciones de este medio, decide comenzar a trabajar de otra manera.

"... no había nada más que decir a través de la pintura. Estaba copiando meticulosamente  otro arte y entonces, me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella" 

Cindy Sherman

Y así lo hizo, llegando a convertirse en una de las artistas mas importantes de la fotografía de postguerra en Nueva York, llegando incluso a exponer sus obras durante mas de 30 años en el MOMA.

En su obra, Cindy se “auto-objetualiza a través de la fotografía. Se retrata en diferentes situaciones siendo ella misma sujeto y objeto. Se trata de un tipo de performance de contenido conceptual, donde lo importante no es hacer la foto, sino la intención que queda plasmada al fotografiarse.

Mediante sus instantáneas, inspiradas en la estética y los planos propios del cine negro, Sherman aborda uno de los temas mas controvertidos de la década de los 70 en adelante. Se pregunta e ironiza en cierta manera sobre el papel de la mujer y sus representaciones en la sociedad. Se retrata como mujer objeto, como ama de casa o como simple paseante.

Su obra tiene cierta provocación que aun hoy en día influye en algunas artistas, que como ella, aun ironizan sobre el papel de la mujer en una sociedad de hombres.

Marina Lambrini Diamandismas, mas conocida como Marina and The Diamonds, es una cantautora de Gales que compone música Indie-pop y electo pop.

En 2011 sacó su segundo álbum titulado Electra Heart que aborda los temas del amo y la identidad. Para su creación, Marina crea un alter ego, Electra Heart mediante la que representa los arquetipos femeninos de la cultura estadounidense.

A través de Electra Heart, Marina pasa por los arquetipos de la mujer, desde la joven y rebelde adolescente, la ama de casa entregada o la femme fatale que ambiciona el éxito.

Todo ellos a través de once videoclips con la temática de la mujer como protagonista.

Tanto la estética de la imagen como la temática de este álbum guardan relación con la obra de Cindy Sherman, ya que ambas se preguntan e ironizan sobre el papel de la mujer en la sociedad.

CULTURA DEL DISEÑO

"UN CHEIN ANDALOU"

"UN PERRO ANDALUZ"

En 1929 se estrena en París “Un perro andaluz”,  un cortometraje mudo de diecisiete minutos dirigido, producido e interpretado por Luis Buñuel en  colaboración con Salvador Dalí.

Se grabó con un presupuesto de 25.000 pesetas proporcionado por la madre de Buñuel.

Se trata de uno de los cortometrajes más significativos del cine surrealista. El movimiento surrealista en Francia logró reunir a un grupo de jóvenes talentos en la Residencia de Estudiantes, en la llamada “Colina de los Chopos”. De entre los nombres mas destacados podemos hablar de Dalí, de Buñuel y de Lorca, que forman parte del pilar de la cultura española del siglo XX y que además, son protagonistas de la historia que gira alrededor de “Un chein andalou”.

El rodaje del corto duró 15 días y se inspira en la unión de dos sueños. Dalí, soñó con hormigas que andaban por sus manos, y este simbolismo, fue transmitido posteriormente a su obra pictórica. Por su parte, Buñuel soñó con una navaja cortando un ojo, convirtiendo esta imagen en un icono surrealista.

En interpretaciones posteriores, estos simbolismos y otros muchos que aparecen en este vídeo delirante y sin sentido, que no representa mas que un sueño surrealista, se sobreentiende una crítica a la iglesia y  la represión sexual que marcaron a esta generación.

Se trata de un video de imágenes agresivas e impactantes que no dejan indiferente al espectador, y muestran la rebeldía de ante la autoridad de los hermanos maristas en la residencia de estudiantes.

El título de la obra, “Un perro andaluz” fue tema de discusión entre Lorca y Buñuel ya que el primero se sintió aludido por el título, mientras que el director negó toda relación entre Lorca y el perro andaluz.

De las influencias posteriores en el arte, cabe destacar que en la famosa película “el silencio de los corderos” se utiliza la imagen de la mariposa “Acherontia atropos” en el cartel de la película . Además David Bowie, en su gira de 1976 proyectaba la imagen de la navaja seccionando el ojo al inicio de sus conciertos.

CULTURA DEL DISEÑO

MADONNA

BEDTIME STORY

Hoy en día ¿quién no ha oído hablar de Madonna? La cantante, actriz y empresaria estadounidense, a sus 56 ha hecho correr ríos de tinta con su “escandalosa” vida.

Pero como todo, Madonna también tiene un principio. Nació en un pequeño pueblo de Michigan en una familia numerosa de clase media. Tras la muerte de su madre, cunado la cantante tenía tan solo 5 años, tuvo que hacerse cargo de sus hermanos pequeños teniendo una infancia difícil.

Todas las dificultades que atravesó, propiciaron una adolescencia rebelde que terminó en una fuga a Nueva York con apenas 20 años. La ciudad no la recibió con los brazos abiertos, tuvo que trabajar como bailarina erótica, modelo de desnudos y además fue violada en su primer año en la gran manzana.

A pesar del duro inicio de su vida, sus logros a día de hoy son impactantes. Ha vendido más de 300 millones de discos, ostentando el título de la cantante femenina que mas ha vendido hasta hoy además de un icono y una de las figuras mas influyentes en la música actual.

Con este panorama artístico tan fructífero, sería imposible hablar de toda su obra, así pues voy a centrar el artículo en una de sus canciones “bedtime story” de su sexto álbum, que comparte título con dicha canción.

Tras su explícito álbum anterior: “Erotica”, en BedTime story no aborda temas sexuales tan abiertamente, si no que suaviza el tono en temas de amor, desamor y romance.

El tercer sencillo del álbum, Bedtime story, fue publicado el 13 de febrero de 1995 y es una colaboración entre Madonna y la cantante islandesa Björk. A pesar del deseo de Madonna de cantar con Björk a dúo la canción, finalmente la islandesa se negó a cantar y solo intervino en el proceso de producción.

La canción te induce en una especie de trance que se consigue con los nuevos sonidos electrónicos. La letra y el vídeo invitan a comenzar un viaje por el subconsciente y según avanza la canción se entra como en un sueño psicodélico.

En el Video se hace referencia a algunas de las figuras artísticas del surrealismo y al futurismo tales como Frida Khalo, Remedios Varó o Leonora Carrington.

También hace referencia a las películas Hellraiser y Stalker en las escenas que parecen más un sueño surrealista que un videoclip.

Cabe destacar que el video fue el más caro hecho hasta el momento, 5 millones de dólares y que además ha sido expuesto en 2005  en la galería de arte moderno del MOMA.

Madonna ha tenido en su carrera muchas influencias, pero también ha sido el icono del Pop durante muchos años y ha influido y sigue influyendo en las tendencias musicales y visuales aun hoy en día.

Una de las escenas de este vídeo de 1995 inspira un a la rapera estadounidense Azealia Banks, que también nos ofrece un vídeo editado en 2013, que nos lleva a otro viaje surrealista y psicodelico en “Explicit” ,18 años después de Bedtime story.

CULTURA DEL DISEÑO

Flag

LA BANDERA

JASPER JHONES

Jasper Johns Nació el 15 de Mayo de 1930 en EEUU, es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense.

Estudió unos años en la universidad de Carolina del Sur, pero posteriormente se trasladó a la “Parsons School of Desing” de Nueva York, allí conoció a otros artistas influyentes de su generación como Rauschenberg, Cunninghan o Johon Cage.

En los años 50 realiza su obra mundialmente conocida, se trata de la Bandera de EEUU realizada con la técnica de la encáustica.

Se trata de una obra que causó gran controversia, ya que se realizó en un momento convulso en el panorama social, artístico y cultural a nivel mundial y nacional.

En lo que al arte se refiere, esta obra de los años 50 no dejó indiferente a nadie. A pesar de que la crítica ensalzó a Johns de patriota, Él nunca quiso pronunciarse al respecto, describiendo la creación de “La Bandera” como un hecho fortuito de inspiración.

"Una noche soñé que pintaba una enorme bandera de Estados Unidos y, a la mañana siguiente, me levanté, salí y compré los materiales necesarios para comenzar. Y lo hice. Trabajé en aquella pintura durante largo tiempo. Es una pintura muy corrompida—físicamente corrompida—porque la empecé con esmalte casero, con el que se pintan los muebles, y no se secaba lo suficientemente rápido. Luego tuve la idea de algo sobre lo cual había leído o había escuchado: encausto de cera."

--Jasper Johns

La obra fue expuesta en una exposición colectiva en 1957 en la Galería Leo Castelli.

 Alfred Barr, primer director del MOMA, quiso adquirirla para la colección permante del museo, pero le inquietaba que este acto pudiera considerse como algo poco patriótico por parte de la Junta, así que se encargó de que otra persona la comprara y luego la donara al museo.

 La ambigüedad de Flag intrigó a muchos como al crítico de arte, Robert Rosenblum, que se preguntó: "¿Es blasfema o respetuosa, ingenua o recóndita?"

Con esta "bandera" se comienzan a vislumbrar algunos de los aspectos característicos que marcarán el arte y el diseño de los años posteriores. La técnica, que se aleja de la abstracción anterior para darnos de pleno con algo tan simbólico y representativo como una bandera. Además el interés por la representación de los colores planos, las nuevas técnicas artísticas y el cambio de pensamiento y ambigüedad en la temática abrirán las puertas para las nuevas corrientes de pensamiento de los años 60 y 70

CULTURA DEL DISEÑO

Todo tiene que tener un principio, y este Blog no podía ser menos, a pesar de que empiece como un trabajo para la asignatura “Cultura del Diseño” que se imparte en La Escuela de Artes de La Rioja, mi intención es subir una variedad de trabajos sobre diferentes campos del diseño, el dibujo, la pintura etc.

Pasaré pues a comentar lo que ha llevado a la creación del Blog y a la primera actividad cultural propuesta en Cultura.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 

Se trata del octavo álbum de estudio de "los de Liberpool", la banda británica The Beatels 

Fue grabado en tan solo 129 días y publicado en 1967. La crítica, lo valora como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos.

Yellow Submarine

Yellow Submarine es una película de animación de 1968 basada en las canciónes de The Beatles. Dirigida por el animador canadiense George Dunning, y producida por United Artists y King Features Syndicate, esta pelícual vanguardista inició algo nuevo en el mundo de la animación y alcanzó además un éxito muy grande. 

El argumento narra las aventuras de unos Beatles dibujados, sobre un universo irreal de fantasías.

http://tu.tv/videos/the-beatles-yellow-submarine-pelicula-co_1